THE CURE - Disintegration - Album

El disco "Disintegration" es un momento decisivo para la banda británica "The Cure" y uno de sus mejores álbumes en su increíble y extenso catálogo. El álbum más memorable de "The Cure" es la culminación de toda la música que hicieron a principios de los años 80. Deprimente, hipnótico y majestuoso, es todo lo que un verdadero fan podría desear.

La música dentro de "Disintegration" es compleja con capas de melodías entretejidas en un rico tapiz. El sonido es denso, rico, cálido y muy agradable de escuchar, aunque recomiendo utilizar auriculares para conseguir el "efecto psicodélico".

Intransigentemente sombrío y oscuramente emotivo, quiero recomendar "Disintegration" a los lectores de este blog de música, especialmente a los melómanos más jóvenes que quizás no estén familiarizados con esta joya del rock alternativo.

 

ALBUM: Disintegration 

 
Este es el octavo LP de estudio de la banda de rock inglesa "The Cure" publicado el 2 de mayo de 1989.

Este disco marca un regreso al estilo de rock gótico introspectivo que la banda había establecido a principios de los años 1980. El vocalista y guitarrista Robert Smith sintió presión cada vez mayor para continuar con los éxitos pop de la banda. Esto, junto con el disgusto por la nueva popularidad del grupo, hizo que Smith volviera a consumir sustancias alucinógenas, cuyos efectos tuvieron una fuerte influencia en la producción de este álbum.

Con varios sencillos de gran éxito, incluido "Lovesong", "Disintegration" sigue siendo el disco más vendido de la banda hasta la fecha, con más de cuatro millones de copias vendidas en todo el mundo. Encontrarás a Robert Smith cavando profundamente en su interior (natural y artificialmente), madurando y entregando su obra maestra atemporal que él (The Cure) nunca volvería a superar.

El octavo LP, "The Cure" alcanzó la cima de su popularidad con esta oferta oscuramente seductora. Es un disco hipnótico y fascinante, compuesto casi en su totalidad por temas épicas como la canción "Pictures of You". El puñado de canciones pop no alivia la atmósfera pesimista. Los sombríos paisajes sonoros de "The Cure" suenan atractivos, sin embargo, las canciones "Fascination Street" y "Lullaby" están bien construidas y son absolutamente memorables.

"Disintegration" es también la cima del género gótico que nunca llegaría más alto que esto, pero también es el LP que se elevó por encima del gótico como tal. Caracterizado por un uso significativo de sintetizadores y teclados, lentas progresiones de guitarra y la voz introspectiva de Smith, los temas suenan inquietantes. Robert Smith y David M. Allen (este trabajo con The Sisters of Mercy, The Chameleons, Depeche Mode, The Mission, The Associates, The Human League) hacen el trabajo de producción fusionando guitarras que hacen eco entre sí, teclados que hacen eco de guitarras, bajos profundos tambores retumbantes y jangle. Canciones de tristeza y melancolía son desesperantes pero libres de cualquier emoción con arreglos elaborados. Todo esto hace de "Disintegration" sea una obra maestra de la banda que simboliza toda una era del rock gótico.

Resumiendo, este es un disco que ha resistido la prueba del tiempo y continúa resonando entre los oyentes de todas las edades, especialmente entre los fans. Este es mi disco favorito de la discografía de "The Cure", y te recomendaría también su LP "Faith" de 1981 como contraste.

 

Disco recomendado

 
Este es un álbum con un sonido exuberante y es una de las razones por las que lo disfruto tanto. Es detallado, inteligente y psicodélico. Encontrarás a Robert Smith profundizando en su interior y entregando su obra maestra atemporal que nunca superaría.

Una gran recomendación para los fans del rock alternativo que disfrutan de un toque oscuro y psicodélico.

Video del tema "Fascination Street":

Tracklist - canciones (original LP):

1.         "Plainsong"     5:12
2.         "Pictures of You"       7:24
3.         "Closedown"  4:16
4.         "Lovesong"     3:29
5.         "Last Dance"  4:42
6.         "Lullaby"        4:08
7.         "Fascination Street"    5:16
8.         "Prayers for Rain"      6:05
9.         "The Same Deep Water as You"        9:19
10.       "Disintegration"          8:18
11.       "Homesick"     7:06
12.       "Untitled"       6:30

Personal (Músicos):

• Robert Smith – guitarras, voz, teclados, bajo de seis cuerdas
• Simón Gallup – bajo
• Porl Thompson – guitarras
• Boris Williams - batería, percusión
• Roger O'Donnell - teclados
• Lol Tolhurst

THE BUGGLES - The Age of Plastic - Album

Esta es una pregunta muy común: ¿quién fue la primera banda que salió en MTV? "The Buggles" aseguraron su lugar en la historia de la música pop siendo los primeros. El vocalista y bajista Trevor Horn y el teclista Geoff Downes formaron el dúo de electro-pop después de conocerse como músicos de sesión. El disco que les dio un lugar en la "historia del pop" es su debut "The Age of Plastic".

Muy divertido escuchar este LP y, aparte de los cuidadosos temas líricos, hay mucho que elogiar en la ejecución del disco, tanto desde el punto de vista de la interpretación como de la producción.

Quiero recomendar este álbum a los lectores de este blog de música.

¿Quiénes eran la banda "The Buggles"?

 
Banda inglesa de new wave formada en Londres en 1977 por el cantante y bajista Trevor Horn y el teclista Geoff Downes. Son mejor conocidos por su sencillo de 1979, "Video Killed the Radio Star", que encabezó la lista de singles del Reino Unido y alcanzó el número uno en otros 15 países y fue elegida como la canción para lanzar MTV en 1981.

Poco después del lanzamiento del álbum, Horn y Downes se unieron a la banda de rock progresivo "Yes", grabando y realizando la gira para promocionar el álbum "Drama". Después de la gira, "Yes" se disolvió en 1981. En 1982, "The Buggles" lanzaron un segundo álbum, "Adventures in Modern Recording". Su falta de éxito comercial provocó la disolución del grupo.

Geoff Downes se unió a su ex compañero de banda "Yes" Steve Howe para formar el supergrupo "Asia", junto con John Wetton (antes de King Crimson) y Carl Palmer (antes de Emerson, Lake & Palmer), que se hizo famoso con el éxito de 1982 el sencillo "Heat of the Moment".

Trevor Horn continuó como productor discográfico trabajando con ABC, Frankie Goes to Hollywood, Malcolm McLaren, Grace Jones, Pet Shop Boys, Art of Noise, Seal, Lisa Stansfield, Spandau Ballet, LeAnn Rimes, Simple Minds, Tina Turner, Paul McCartney, Tom Jones, Cher, Belle and Sebastian, Robbie Williams, etc. De hecho, es uno de los grandes productores discográficos de los años 80 y 90, una auténtica eminencia.

 

ALBUM: The Age of Plastic

 
El LP debut del dúo inglés new wave "The Buggles", publicado el 28 de noviembre de 1979. Un álbum conceptual sobre las posibles repercusiones de la tecnología moderna. El título nació de la intención del grupo de ser un "grupo plástico" y el álbum fue producido a raíz del éxito de su primer single, "Video Killed the Radio Star" (1979). La mayoría de las otras canciones del álbum fueron escritas durante la promoción del sencillo.

Trevor Horn estuvo influenciado principalmente por el álbum de Kraftwerk de 1978 "The Man-Machine" y buscó métodos de grabación poco convencionales para "The Age of Plastic". Varios números cuentan con contribuciones del vocalista Bruce Woolley, quien dejó el grupo a mitad de producción.

Se incluyen ocho canciones en "The Age of Plastic": "Living in the Plastic Age", "Video Killed the Radio Star", "Kid Dynamo", "I Love You (Miss Robot)", "Clean, Clean", "Elstree", "Astroboy (And the Proles on Parade)" y "Johnny on the Monorail". Todos tienen un hilo conductor y un tema narrativo lírico relacionado con la intensa nostalgia y ansiedad sobre los posibles efectos de la tecnología moderna.

No obstante, la característica más destacada de este disco es la alta calidad del sonido y la producción para su tiempo. Si bien la mayoría de los instrumentos son electrónicos, el sonido aún tiene tonos cálidos y expresivos. Las voces son muy buenas, y ya anticiparon el "autotune".

Su enorme y divertido single "Video Killed the Radio Star" atrajo la atención y el estrellato internacional de "The Buggles", pero era sólo una canción de las fascinantes y futuristas visiones de "The Age of Plastic". El LP presenta un mundo donde la tecnología se ve tal como es, llena de promesas y de implicaciones aterradoras. Por ejemplo, en "I Love You Miss Robot", una historia de amor metafórica con un robot que explora la relación del hombre moderno con la tecnología y su dependencia de ella. Como en "Kid Dynamo", una canción que cuestiona la pérdida de imaginación que azota la era de los medios de comunicación.

Sin embargo, alejándote de los "conceptos", "The Age of Plastic" es un disco divertido que no necesita tomarse demasiado en serio. La variedad es la constante y las pistas varían desde el pop hasta los números más oscuros y vibrantes. Con "The Age of Plastic", Horn y Downes imprimieron una imagen imborrable en la psique pop colectiva.

En resumen, es fascinante, melodramático e innovador para 1979. Llámelo cosmic-rock, funk, electrónica, disco, lounge, drama operístico, etc., ahora se considera pop visionario. "The Age of Plastic" influyó en muchos artistas y bandas. Formaciones francesas populares como Justice, Daft Punk y Phoenix han declarado que han sido influenciados por este disco. Algunos críticos han afirmado que se destaca como uno de los mejores LPs de synthpop de todos los tiempos.

 

Disco recomendado

 
Una obra maestra del electropop de principios de los 80. También es un disco para ser estudiado por músicos, ya que es una clase magistral en la creación de ganchos melódicos, sin mencionar las técnicas de producción. Un disco que quizás no sea del gusto de todos, especialmente para el oído más joven, es una escucha genial y divertida de muy buen synth pop.

Video del tema "Video Killed The Radio Star":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Living in the Plastic Age"    5:13
2.         "Video Killed the Radio Star"           4:13
3.         "Kid Dynamo"           3:29
4.         "I Love You (Miss Robot)"   4:58 

Cara B:

1.         "Clean, Clean"            3:53
2.         "Elstree"          4:29
3.         "Astroboy (And the Proles on Parade)"        4:41
4.         "Johnny on the Monorail"      5:28

AC/DC - If You Want Blood (LIVE) - Album

Estaba revisando mi colección de discos y encontré el LP de AC/DC en directo de 1978 titulado "If You Want Blood". Qué sonido, qué energía, cuánto se echa de menos a Bon Scott y qué banda. Puro hard rock and roll como debe ser y sonar, un LP imprescindible para seguir escuchándolo y para transmitir a tus hijos para su educación musical.

Quiero recomendar esto a los lectores, lectores más jóvenes, que tal vez no estén familiarizados con el álbum en vivo "If You Want Blood".

ALBUM: If You Want Blood

 
El primer disco en directo de la banda australiana AC/DC y su único álbum en vivo con Bon Scott como vocalista principal. Esta grabación a menudo se considera uno de los mejores álbumes en directo de todos los tiempos. Se publicó originalmente en el Reino Unido y Europa el 13 de octubre de 1978, en los EE. UU. el 21 de noviembre de 1978 y en Australia el 27 de noviembre de 1978. La grabación se realizó en el "Teatro Apollo" de Glasgow, Escocia, el 30 de abril de 1978.

Me encanta la portada del álbum. Una foto del fotógrafo Jim Houghton. Además, los productores Harry Vanda y Georg Young hacen un gran trabajo y pudieron captar la interpretación de alto voltaje del grupo. La banda es impecable y enérgica, Bon Scott está "on fire" y también los hermanos Young. La lista de canciones que tocaron esa noche también es deliciosa para cualquier fanático de AC/DC o del hard rock.

AC/DC cimenta su reputación y deja una huella histórica en las electrizantes presentaciones en vivo de la banda: la energía y las travesuras incesantes de Angus Young, la increíble voz de Bon Scott y la inclinación del resto de la banda por lograr riffs y ritmos simples, pero extremadamente efectivos y memorables. AC/DC simplemente se especializó en el hard rock crudo y blues, como se evidencia en este "If You Want Blood You've Got It".

Grabado durante su gira mundial en promoción de su álbum de estudio "Powerage", "If You Want Blood You´ve Got It" contiene muchas de las mejores composiciones de AC/DC hasta ese momento: "Bad Boy Boogie", "The Jack", "Problem Child ", "Whole Lotta Rosie", "Alto voltaje", "Let There Be Rock" y "Rocker". Se podría decir que la mayoría de las versiones de estudio de estas canciones son superiores y que la selección de canciones podría haber sido mejor seleccionada (agregando tal vez gigantes como "Jailbreak", "It's A Long Way To The Top (If You Wanna Rock 'n' Roll)", "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" o "Down Payment Blues" hubieran sido maravillosos), pero este álbum muestra a AC/DC como una gran banda en vivo y en gran forma.

Video del tema "Let There Be Rock":

Hecha esta observación, no seamos demasiado duros. Re-examinamos la lista de canciones: encontrarás las mejores canciones de cada álbum de estudio anterior. "Riff Raff" y "Rock 'n' Roll Damnation" (de Powerage); "Hell Ain't A Bad Place To Be", "Whole Lotta Rosie", "Let There Be Rock" y Bad Boy Boogie" (de Let There Be Rock); "Problem Child" (de Dirty Deeds Done Dirt Cheap); "The Jack", "Alto Voltaje" y "Rocker" (de T.N.T.)... ¡guau!

Es simplemente, sin discusión, una de las mejores grabaciones en directo de una banda a punto de caramelo para conquistar el mundo, triste pero brevemente interrumpida por la trágica muerte de Bon Scott. La crudeza junto con su sublime artesanía queda magníficamente captada en esta grabación. Sumado a esto el ingenio diabólico y las habilidades vocales difíciles de repetir de Bon Scott para crear una oferta en vivo perfecto y entretenido. Puedes entender por qué muchos consideran a Scott uno de los mejores cantantes del rock n roll de todos los tiempos.

En pocas palabras, Bon Scott ruge, los solos y el trabajo principal de Angus Young arden y arden, y la triple sección rítmica de Malcolm Young, Cliff Williams y Phil Rudd avanza sin descarrilarse. Es acojonante.

Disco recomendado

Rock "old school" tocado por una banda en la cima de su arte. Este álbum, ahora un clásico del hard rock en todos los sentidos, es icónico. Uno de los grandes "álbumes en vivo" jamás editados y una experiencia auditiva esencial para cualquier joven seguidor, amante o fan del rock n roll. No puedo recomendar más esta pieza de magia.

Un disco 5/5 ★ ★ ★ ★ ★

Video del tema "Whole Lotta Rosie":

Tracklist - canciones (Original):

1.         "Riff Raff"    
2.         "Problem Child"        
3.         "Hell Ain't A Bad Place To Be"       
4.         "Rock n Roll Damnation"     
5.         "Bad Boy Boogie"    
6.         "Dog Eat Dog"          
7.         "The Jack"      
8.         "High Voltage"          
9.         "Whole Lotta Rosie" 
10.       "Let There Be Rock" 
11.       "Fling Thing" 
12.       "Rocker"

Personal:

• Bon Scott - voz principal
• Angus Young - guitarra solista
• Malcolm Young - guitarra rítmica, coros
• Cliff Williams - bajo, coros
• Phil Rudd - batería

Producción:

• Harry Vanda y George Young.

Video del tema "Riff Riff":

ARCHIE SHEPP - Four for Trane - Album

Voy a recomendarte un brillante disco de jazz de los años 60 (siglo xx). Un álbum tributo de un estudiante y amigo a su mentor e ídolo.

Archie Shepp es un brillante intérprete de jazz en el estilo "avant garde" influenciado por John Coltrane. Shepp fue alumno de Coltrane y tocó con él y cuando Shepp siguió su "propio camino" grabó y editó "Four for Trane", un maravilloso LP que quiero atraer la atención de los melómanos y lectores de este blog de música.

¿Quién es el músico de jazz "Archie Shepp"?

 
Archie Shepp es un saxofonista, compositor, educador y dramaturgo de jazz estadounidense que desde la década de 1960 ha desempeñado un papel central en el desarrollo del jazz de vanguardia. Encarnó el lado radical y experimental del jazz de los años 60, pero luego se convirtió en uno de los mayores más venerados y respetados del género.

Nacido en Florida en 1937 pero criado en Filadelfia, Sheep estudió piano, clarinete y saxofón alto durante la escuela primaria y secundaria antes de centrarse en el saxofón tenor. Su carrera es larga, muy larga y con una discografía "interminable" estando todavía en activo en la actualidad.

De su larga y extensa lista de grabaciones, quiero recomendar el disco de 1965 "Four for Trane", un maravilloso LP de jazz y un homenaje a su mentor y amigo John Coltrane.

 

ALBUM: Four for Trane

 
Este es un disco de estudio del saxofonista tenor Archie Shepp publicado en 1965. Cuatro de las cinco canciones fueron compuestas y grabadas originalmente por John Coltrane (publicadas en sus álbumes "Giant Steps" y "Coltrane Plays the Blues") y reorganizadas por Shepp y el trombonista Roswell Rudd. Los otros músicos destacados son el trompetista Alan Shorter (hermano de Wayne), el saxofonista alto John Tchicai, el bajista Reggie Workman y el baterista Charles Moffett (que trabajó con Ornette Coleman). El propio John Coltrane coprodujo el álbum junto a Bob Thiele.

Este álbum fue también el primer papel de Archie Shepp como líder. Lo sobresaliente de este LP es que se mantiene mejor que casi cualquiera de los discos de Shepp después de tantos años. Esto tiene mucho que ver con la banda que eligió para esta sesión y gracias a las habilidades de arreglo del trombonista Roswell Rudd. La banda de "Four for Trane" está formada por Shepp al tenor, John Tchicai al alto, Rudd al trombón, el bajista Reggie Workman y el baterista Charles Moffett. Una verdadera banda de primer nivel.

Comienza el LP con una versión influenciada por el blues, "Syeeda's Song Flute", el hecho es que Shepp le da a todas las canciones una inclinación hacia el blues. La interpretación es ingeniosa, con la crudeza de todo el asunto siendo sencillo. El arreglo de Rudd del tema "Naima" es asombrosamente hermoso: re-armoniza la pieza para el tono del registro medio de Shepp, quien agrega una etiqueta microtonal en el frente y en el fondo, dislocando la melodía antes de que comience y después de que termine, mientras la mantiene fuera del rango de la consonante en todo momento. El único tema original de Archie Shepp es "Rufus (Swung His Face At Last To The Wind, Then His Neck Snapped)". Funciona bien en el contexto de esta banda debido a la destreza solista de todos los miembros, particularmente de Tchicai. Apenas hay melodía, los cambios de clave son acordes con los cambios de tempo y los armónicos son del tipo escala móvil. Y centrándonos en Shepp y en su genio, hace de las canciones suyas.

En resumen, cinco números de tempo rápido y ofreciendo un gran LP de "free style".

Disco recomendado

 
"Four for Trane" es un álbum excelente, original y duradero. Un maravilloso disco de Archie Shepp donde interpreta y rinde homenaje a su mentor con cuatro composiciones de Coltrane, dándoles forma a su propio estilo "avant-garde" y tocando un inspirado saxofón tenor acompañado de una fabulosa banda.

En lo que respecta a los álbumes tributo del jazz, este es un clásico y creo que se debe escuchar, especialmente los fans del jazz. Buscarlo.

Video del tema "Naima":

Tracklist (LP original):

Todas las composiciones son de John Coltrane, excepto donde se indique lo contrario (5):

1."Syeeda's Song Flute" – 8:30
2."Mr. Syms" – 7:41
3."Cousin Mary" – 7:14
4."Naima" – 7:09
5."Rufus (Swung His Face At Last To The Wind, Then His Neck Snapped)" (Shepp) – 6:24

Musicos:

• Archie Shepp – saxofón tenor
• Alan Shorter - fliscorno
• John Tchicai – saxofón alto
• Roswell Rudd - trombón, arreglista
• Reggie Workman - contrabajo
• Charles Moffett - batería

ROBERTA FLACK - First Time - Album

Cuando surge la discusión sobre los grandes álbumes de jazz de todos los tiempos, siempre aparecen Miles, Coltrane, Mingus, Coleman, Rollins, Brubeck, etc. Sin embargo, hay un disco (y artista) que debería aparecer con más frecuencia y por alguna razón no aparece, el LP de 1969 "First Take" de Roberta Flack.

Este primer disco de Flack ha sido categorizado como soul, lo que puede explicar la razón anterior de su ausencia en las discusiones sobre "grandes discos de jazz". Sin embargo, si se escucha con atención, es jazz, con piano, bajo y batería sublimes apoyando una hermosa voz.

Quiero destacar y recomendar el LP “First Take” y afirmar que es uno de los grandes discos de jazz de todos los tiempos.

 

¿Quién es la cantante "Roberta Flack"?

 
Roberta Cleopatra Flack es una cantante estadounidense retirada que encabezó las listas de Billboard con los sencillos número uno "The First Time Ever I Saw Your Face", "Killing Me Softly with His Song" y "Feel Like Makin' Love".

Flack fue el primer artista en ganar el premio Grammy a la Grabación del Año en dos años consecutivos: "The First Time Ever I Saw Your Face" ganó en 1973 y "Killing Me Softly with His Song" ganó en 1974.

Aunque la mayoría de la gente categorizaría su sonido como soul y R&B, lo que realmente destaca es su formación y voz en Jazz. Es con su primer disco "First Take" que resalta la brillantez de las habilidades del jazz y hace de este LP sea uno de los mejores discos de Jazz de todos los tiempos.

 

ALBUM: First Take

 
El disco debut de la cantante de soul estadounidense Roberta Flack. Un álbum brillante que aborda cuestiones sociales de una manera filosófica, sencilla y reivindicativa.

Fue publicado el 20 de junio de 1969. La canción en este álbum, "The First Time Ever I Saw Your Face", fue incluida por Clint Eastwood en su película de 1971 "Play Misty for Me", y la canción se convirtió en un número uno en los Estados Unidos, lo que hizo que el álbum alcanzara el número uno en la lista de álbumes de Billboard. Una historia de éxito inesperada, además de ser una maravillosa mezcla de jazz y R & B con influencias clásicas.

Sin embargo, también presentó a una cantante que ha asimilado los modales interpretativos de Sarah Vaughan, el poder de Aretha Franklin y la resonancia emocional de cantantes folk como Judy Collins. Este disco para mí tiene que ver más con el jazz que con el soul. Basta mirar los créditos: un cuarteto principal con Roberta Flack al piano, John Pizzarelli a la guitarra, Ron Carter al bajo y Ray Lucas a la batería. Hay una excepción en el jazz, el tema de apertura "Compared to What", durante el cual Flack demuestra su talento soul.

La experiencia de Roberta Flack como pianista y cantante de formación clásica es evidente a lo largo de este álbum. Su dicción es perfecta y su emoción es sentida y conmovedora. El sencillo acompañamiento de jazz acústico de guitarra, batería y bajo proporciona el apoyo perfecto para el exquisito trabajo de piano con voz de Flack. El álbum tiene siete baladas, incluida la conmovedora interpretación de Flack de "Hey, That 's No Way to Say Goodbye" de Leonard Cohen y su conmovedora interpretación del evangelio tradicional "I Told Jesus".

También encontrarás un par de versiones folk, el exitoso sencillo (dos años después) "The First Time Ever I Saw Your Face" y "Hey, That 's No Way to Say Goodbye". Su arreglo del tradicional "I Told Jesus" tiene un poder hirviente, mientras que "Ballad of the Sad Young Men" evoca una sensación de melancolía. Flack también incluye dos canciones de su amigo de la universidad y futuro compañero de dueto, Donny Hathaway; un tierno examen del clásico "Our Ages or Our Hearts".

Ningún artista de jazz había grabado jamás un álbum como este, lo que convierte a "First Take" en uno de los debuts "soul" más fascinantes de la época. Sí, soul, porque la gente insiste en que este es un álbum de soul, mientras que Flack inicialmente propone su interpretación de jazz. Hermoso y dulce jazz melódico que tiene "soul".

Simplemente escucha "Tryin Times, es sublime (escucha el bajo de Carter):

Luego está la musicalidad, vaya banda. Flack lidera un cuarteto magistral cantando y con piano, junto con Ron Carter (del segundo quinteto de Miles Davis) en particular, profundizando mucho en el bajo, dialogando entre la voz de Flack y sus ritmos profundos. Y esos pinceles de batería de Ray Lucas, tan delicados, acompañados por Bucky Pizzarelli a la guitarra. Es literalmente del más alto nivel.

En resumen, es un álbum que merece ser reconocido como uno de los álbumes de jazz más influyentes de todos los tiempos, una escucha obligada para cualquier persona interesada en el jazz y la música soul. A pesar de haber sido lanzado hace tantos años, "First Take" sigue siendo un trabajo fresco, conmovedor e inspirado que continúa influyendo en muchos músicos de hoy.

 

Disco recomendado

 
Considerándolo todo, "First Take" es uno de los verdaderos grandes del jazz. Una obra maestra que resalta el talento atemporal y la versatilidad como músico de Roberta Flack. Este álbum es un testimonio de la capacidad de Flack para combinar diferentes géneros, incluidos el jazz, el soul y el folk, creando un sonido que ha resistido la prueba del tiempo.

Dicho esto, el público siempre menciona los álbumes de jazz de Miles, Coltrane, etc. en cada conversación sobre los grandes álbumes de jazz. "First Take" siempre debe incluirse al lado y en dicha lista.

Video del tema "I Told Jesus":

Tracklist (formato LP original): 

1.         "Compared to What"             5:16
2.         "Angelitos Negros"                6:56
3.         "Our Ages or Our Hearts"                 6:09
4.         "I Told Jesus"             6:09
5.         "Hey, That's No Way to Say Goodbye"        4:08
6.         "The First Time Ever I Saw Your Face"                   5:22
7.         "Tryin' Times"            5:08
8.         "Ballad of the Sad Young Men"                   7:00

Musicos:

• Roberta Flack - piano, voz
• Bucky Pizzarelli – guitarras
• Ron Carter - bajo
• Ray Lucas - batería, percusión
• Seldon Powell, Frank Wess – saxofón
• Charles McCracken, George Ricci - violonchelo
• Benny Powell – trombón
• Jimmy Nottingham, Joe Newman - trompeta
• Emanuel Green, Gene Orloff – violín
• Alfred Brown, Selwart Clarke, Theodore Israel - viola
• William S. Fischer – arreglos de trompa y cuerdas, dirección de cuerdas